Educación y Arte

ld1542_p6f1_20101208nc-scr_article_main Luis Camnitzer. Foto: Nicolás Celaya.

Desde hace unos años circulan por Internet tanto el texto escrito como una conferencia que el productor multinacional Luis Camnitzer llevó a cabo por Europa y Latinoamérica. En ella afirma que la actual manera en que se educa a los nuevos productores en realidad es un fraude, y para apoyar tal opinión cita una serie de circunstancias y hechos, que, todos juntos, en efecto, dan esa impresión, que la educación del arte es un verdadero chasco.

Del 2012 (año en que se realizaron las mencionadas conferencias) a la fecha, creo que ya todos los interesados en el tema habrán sacado sus conclusiones y/o tomado partido a favor o en contra de Camnitzer. Si ahora lo traigo a colación, no es por reavivar su debate, sino para tocar el tema de la delicada relación que debe existir entre la educación formal y la producción artística.

Habría que reconocer, de entrada, que la producción contemporánea del arte evoluciona tan rápido, que lo que hoy se presenta como manifestación artística (hablo exclusivamente de las artes visuales), ya es por completo diferente a lo que producía el propio Camnitzer hace un par de años. La observación es relevante si tomamos en cuenta que la obra del uruguayo cae dentro del terreno de lo conceptual, lo cual debería, supuestamente, conservar su vigencia aun hoy día.

Tiene razón Camnitzer al decir que la universidad no puede garantizar la formación de artistas tal y como lo hace con los contadores, ingenieros o médicos; también al señalar que el sometimiento a una rutina de horarios y materias va en contra del espíritu de libertad del que debe gozar todo productor. Mas también es cierto que la educación o la pedagogía de las artes ha cambiado –y mucho- del momento en que entraron a las universidades dejando atrás los viejos sistemas del estudio, las academias o talleres, al día de hoy. Si las artes se encuentran en las universidades, no es para titular “artistas” (lo que Natura no da, Salamanca no lo presta), sino que, como institución liberal que es, debe garantizar que todos los aspirantes al título tengan, en un momento dado, la misma información, el mínimo de conocimientos técnicos y teóricos que les permitirán, ya fuera de la universidad, a nivel de calle, competir, ahora sí, por el título de “artista”, el cual dependerá de muchas otras variables que la universidad no puede –ni tiene por qué- manejar en sus programas. De esta manera, además, la sociedad reconoce la importancia que tiene la formación de quienes la proveerán de los objetos que en conjunto llamamos arte, lo que equivale a legitimar el inicio u origen de la escala de valor económico que podrán alcanzar dichos objetos (si este reconocimiento es interesado o no es otro asunto). De la misma manera se puede apuntar que a través de la formación en las universidades se evita que los productores sean como el burro que tocó la flauta, y/o que si son talentos natos, se les reconozca tempranamente, antes que se desperdicien en otros asuntos.

Resumiendo. La volatilidad de la producción contemporánea del arte, obliga a los educadores a distinguir lo que de permanente pueda tener para, con base a ello, ofrecer la oportunidad a quienes pretenden ser productores, de obtener lo mínimo necesario para ganarse, con su producción y a futuro, el título o sobrenombre de “artista”; ese mínimo de información únicamente lo puede garantizar una institución como la universidad a pesar de todas las críticas a las que pueda estar sujeta, por ninguna otra razón de que ha sido la misma sociedad quien le ha dado tal potestad.

No sé si la universidad sea el mejor lugar para la educación de los futuros artistas, pero desconfío más de los antiguos procesos, incluida la autoformación que tan buenas cuentas ha presentado siempre. Desconfío de todos aquellos que valiéndose de este momento de confusión globalizada buscan meter mano en los bolsillos públicos y privados, ofreciendo fórmulas según las cuales en el lapso de unos meses se obtiene lo que en años apenas si se logra en la educación formal. Desconfió de todos los que aún creen en el arte como si viviéramos un eterno siglo XIX. Desconfío, finalmente, de los que buscan aprovecharse de la buena voluntad de aquellos que cándidamente confiesan querer ser artistas.

 

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Imagen: ladiaria.com.uy

 

No es lo mismo Tú que Usted

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Para estas cosas del lenguaje soy verdaderamente malo, pero, si no me equivoco, desde la primaria me enseñaron que no es lo mismo hablar, dirigirse, a los demás empleando la 3ra persona del singular Usted, que la segunda, Tu. El usted es una fórmula de respeto, que implica distancia social (económica, familiar, educativa) y poca o nula amistad. Esta distinción no aplica para algunos países de centro y Sudamérica, Costa Rica, Colombia, Venezuela, en donde el usted se emplea como si fuera el tuteo mexicano.

Me sirve esta distinción para introducir mi comentario a la exposición Cuídese mucho de la productora Sophie Calle, inaugurada el pasado 11 de abril en el MARCO. Ya que toda la muestra está basada en un mensaje electrónico (e-mail) que así concluye, me parece pertinente aclarar que hay una gran diferencia entre cerrar una misiva de este tipo diciendo “Cuídate mucho” que usando la tercera persona, “Cuídese mucho. Si se lee la despedida o el resto de la carta de acuerdo a una u otra persona el significado puede ser muy diferente.

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Como es posible ya sepan, la exposición fue concebida a partir de un correo electrónico recibido por Calle en donde su amante X decide poner fin, romper, su relación con ella. Este texto (que por cierto no recuerdo haberlo visto en francés) lo distribuyó entre 107 mujeres seleccionadas por su profesión o algún tipo de habilidad, y les solicitó lo contestaran por ella, lo actuaran, lo interpretaran, lo descifraran. El resultado del ejercicio, son las fotografías, videos y transcripciones que se muestran en la exposición.

Sin duda se trata de una extraordinaria muestra, llena de sugerencias y un ejemplo para todos aquellos que creen que el reconocimiento se puede obtener de la noche a la mañana. Si hoy Sophie Calle puede llevar a cabo estos proyectos se debe a que atrás de ella hay por lo menos tres décadas de trabajo.

Cuídese mucho, como experiencia museográfica es espectacular pues se han dispuesto todos los medios al alcance de cualquier museo para montarla, fotografías, videos, dioramas, proyecciones, etc. Sólo le echaría en cara que no se haya traducido al español la mayor parte del material que aquí se exhibe. Cierto que Monterrey es una ciudad con un segmento de su población muy cosmopolita, que no sólo domina el inglés sino dos o tres idiomas más; pero otros segmentos, a los que pertenece el gran público, carecen de tan importante herramienta como para interactuar correctamente con la muestra; qué pena que se tengan que perder de esta experiencia a la que quizás tendrían mucho que aportar.

El trabajo de Calle, este y otros que he tenido oportunidad de conocer, me parecen interesantes, retadores, con una gran capacidad de desarrollo creativo, pero igualmente me dan la impresión de que al borrar la tenue línea que divide lo público de lo privado, abre una puerta que difícilmente se puede volver a cerrar o permite una discriminación más fina entre distintas manifestaciones. ¿Qué diferencia hay entre hacer público el e-mail de Calle y la última peda que subo al Face-Book, o con las fotos de mi cumpleaños en el club social de moda? La diferencia es lo que sigue, el desarrollo del proyecto, de acuerdo, pero si todos tuvieran los medios que la Calle sí tiene, ¿quisiéramos ver las 380 wacareadas que siguieron al día siguiente de mi festejo con mis compas? Quizás haya quien diga que podría ser interesante, a mí, la verdad, no me interesa en lo más mínimo.

Hace un momento apunté que es una pena que una buena parte del público no tenga acceso al contenido de esta exposición y que con eso quizás se pierden valiosas aportaciones. Las 107 mujeres seleccionadas por Calle son brillantes profesionistas, exitosas bailarinas, tiradoras, etc., pero ¿qué pasa con los miles de mujeres que viven una situación semejante y no puede comunicárselo ni a su propia familia a menos que arriesguen su vida?, ¿con las que después de una golpiza son abandonadas?, ¿con las que son amenazadas económicamente en caso de buscar una separación?, ¿quién habla por ellas, quién les da voz, quién las ayuda a pasar su propio duelo?

También, creo, fue en la primaria donde me enseñaron a distinguir entre lo singular y lo universal; que el valor de lo individual, cuando lo había, consistía en que representaba lo universal. Qué pena que hayamos olvidado tan sencillas lecciones.

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¿Geometría pura o pura geometría?

DSCF1934Richard Long. Sin título. 1986

Antes de expresar alguna idea concreta sobre la exhibición más reciente del Centro de las Artes en el Parque Fundidora, inaugurada apenas el pasado 27 de marzo, quisiera exponer un par de puntos que me parecen relevantes respecto al mismo evento. En primer lugar la importancia de las colecciones; la muestra La persistencia de la geometría, resulta de conjuntar piezas de las colecciones de La Caixa y del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona). Así, después de visitarla nadie debería dudar de la importancia y valor que tiene coleccionar arte. Empresas, Universidades y demás agentes comerciales y financieros deberían hacer un esfuerzo e iniciar sus propias colecciones, a corto y largo plazo todos ganan, de eso pueden estar seguros.

Señalo, como segundo punto, la importancia que tiene la asociación o colaboración, en proyectos como este, entre distintas instituciones, no sólo con las dos ya señaladas de allende el Atlántico, sino con el MUAC (Museo de Arte Contemporáneo de la UNAM). Poder ligarse para obtener esta clase de resultados no sólo los abarata y facilita la organización y logística que implican, sino que permite la presencia de objetos que de otra manera sería muy difícil exponer en la ciudad. Por tanto, ya sea que veamos este proyecto desde el punto de vista del coleccionismo o de la colaboración interinstitucional, la suma es de diez, es decir más que positiva, un ejemplo, una fórmula, que ojalá se aplicara a muchos otros casos.

¿Geometría pura o pura geometría? Más bien ninguna de las dos.

Conozco la benéfica (¿?) influencia que la geometría ha ejercido, en distintos momentos, en la producción de las artes visuales, tal y como se apunta en la presentación de la muestra. Reconozco, como también se dice en la misma presentación, que a lo largo de las últimas cuatro décadas del siglo XX podemos encontrar, aquí y allá, esa misma influencia y que esa presencia intermitente es la que puede llevar a cualquiera a considerarla una “influencia persistente”. Sin querer polemizar o cuestionar los criterios curatoriales del personal de La Caixa o del MACBA y mucho menos los de los colegas del MUAC, creo que lo menos importante de la exhibición, tal y como se muestra en Monterrey, es la influencia de la geometría o el carácter geométrico de los objetos expuestos. No dudo que esta variable haya estado presente en el pensamiento de Bruce Nauman al planear una obra como Piedras negras bajo luz amarilla de 1987, que lo haya influido incluso, pero no creo que ese dato sea el más importante en la apreciación de su quehacer. Y lo mismo podría decir de las esculturas de Donald Judd, o la intervención de Gordon Matta-Clark. Y ni qué apuntar de los trabajos de Ana Mendieta o León Ferrari, que están, a mi leal entender, muy lejos del orden, rigor y precisión que exige la geometría.

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Donald Judd. Sin Título, 1988

Creo que agrupar esta serie de trabajos bajo la sombrilla de la geometría es una buena estrategia para lograr su presentación y llegar al gran público. Sin dejar de ser verdad, hablar en estos casos del valor e influencia de la geometría es más comprensible o no entra en conflicto, que tener que detenerse a justificar la valoración y apreciación positivas de las acciones públicas o del performace. Me preguntaba un alumno cómo es que siendo obras que se desarrollan a partir de los años ‘60 son tan conocidas, si tampoco son tan nuevas. Me parece que si han estado, en términos generales, fuera del alcance del gran público, se debe, precisamente, a la dificultad implícita que tienen, lo mismo, el Minimal Art que los trabajos de corte conceptual que en esos momentos se estaban ejecutando (Body Art, Land Art, Intervenciones, etc.).

Al margen de lo anterior, que bien pudiera ser una minucia académica, La persistencia de la geometría, es una gran muestra con trabajos y autores que todos los interesados en las artes visuales en general y en particular en las contemporáneas, deberían visitar, pues ahí se encuentran piezas que han sido clave en la evolución. Quizás poca cosa para unos cuantos conocedores, pero una gran oportunidad para todos los demás.

 

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El poder de la arquitectura

Como ninguna otra de las manifestaciones artísticas y mucho más de las visuales, la arquitectura tiene el poder de modificar –y casi siempre de manera permanente- su entorno. No se trata simplemente de la alteración que causa en el paisaje natural o en el de la ciudad, sino de la afectación que llega a tener sobre cientos, miles de personas, al alterar sus formas, sus espacios de trabajo, de vida y convivencia, al modificar sus recorridos, el tiempo invertido en cada una de las actividades que desempeñan o en su transportación, al separar el mundo rural del urbano. La pregunta, por tanto, no es ¿qué tan consientes estamos de ese poder?, sino ¿qué tan conscientes están nuestros arquitectos del poder que la sociedad ha puesto en sus manos?

Algún día debería escribirse algo así como el prontuario o manual del visitante a galerías y/o museos de arte. En él habría que decirle al usuario en qué debe fijarse: qué son las cédulas y cómo han de estar redactadas, qué son los textos de sala y para qué sirven, cómo debe estar colgada una obra bidimensional y cómo colocada una escultura o instalación, qué debes hacer con los vídeos u obras sonoras, consideraciones sobre la iluminación, el recorrido, las bases y mamparas, etc., etc., son tantos los estímulos que están presentes e influyen directamente sobre la apreciación de lo exhibido que bien valdría tener un check list como el que propongo, incluidos, por supuesto, los criterios de selección, los objetivos de la muestra, su pertinencia, representatividad, recorridos e interpretaciones sugeridas y cuanta más información se le pudiera dar al espectador mucho mejor, para que así, efectivamente, el juicio que emitiera estuviera fundamentado en los mismos criterios que se emplearon en su producción.

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Sea el caso de la exposición 21 Jóvenes arquitectos mexicanos. Relevo generacional que se inauguró en el Centro Cultural Plaza Fátima el pasado 13 de marzo. Organizada por la Facultad de Arquitectura de la UNAM, nos presenta una colección de trabajos llevados a cabo por estos 21 nombres o los despachos que representan. Bien a bien no es muy claro porqué están presentes aquí, de ellos 10 son del Distrito Federal, dos más regiomontanos, o sea, que para el resto del país sólo quedan 9 arquitectos que vale la pena presentar (¿?). ¿Por qué se seleccionaron estos y no otros proyectos? Tampoco hay razón aparente, lo mismo que sobre la lógica que hace que aparezcan mega proyectos como el Senado de la República, la estación del metrobus en el área cultural de la UNAM, o la terminal B del Aeropuerto Internacional de Monterrey, al lado de casas unifamiliares o un avistadero de aves.

Estas líneas podrían tener en lugar del título que las encabeza el de El poder de la fotografía, pues conocemos más lo construido gracias a las imágenes que por las maquetas (si mides 1.20 mts. no tienes problema para admirarlas, si no es así sólo te llevas una buena impresión de las cubiertas). Lo difícil, lo complicado de una exposición de arquitectura es qué presentar. La fotografía, aunque ayuda, en realidad convierte al arte de los espacios existenciales en una cuestión de apariencias.

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Inevitable la comparación con la exposición de Mario Pani en el MARCO y quizás uno de los aspectos más contrastantes sea que mientras Pani, con todas las críticas que lleva encima, se ocupó y preocupó por la vivienda popular, entre estos 21 jóvenes no hay un sólo ejemplo que se acerque o tenga siquiera una reflexión al respecto. Sin duda están conscientes del tema y problema, tanto como de lo sustentable, sólo que no está de moda o dentro de los criterios de selección.

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La arquitectura no es únicamente una cuestión técnica, es también un hecho histórico, sociológico, semiológico y antropológico, tanto como artístico, turístico y tecnológico. Reunir todos estos aspectos en una exposición no es tarea sencilla y ni siquiera en las otras artes, con más experiencia en el tema de las exposiciones, se logra cabalmente. Son pues, ahora, los propios arquitectos los que tienen la palabra para acercar su trabajo al gran público.

 

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Arquitectura y poder

 

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Por una u otra razón, el archivo del arquitecto Mario Pani (1911-1993) ha quedado bajo la custodia del Tecnológico de Monterrey; así, la ciudad se va perfilando como sede de importantes documentos o archivos que permiten y sobretodo permitirán, el estudio de lo que fue y significó en México el siglo XX y lo que va de este. Quiero pensar que tan venturoso hecho motivó la planeación, organización y montaje de la muestra que el pasado 21 de marzo el MARCO abrió al público: Mario Pani, arquitectura en progreso.

Decía Octavio Paz que la historia se escribía en tres libros, el de los hechos, el de los hombres y el del arte; que de los de los tres el único insobornable era el tercero, el del arte y al decirlo no podía estar pensando más que en la arquitectura. Y no es que el arte o la arquitectura, o mejor dicho, que los artistas o los arquitectos no sean corruptibles, sino porque una vez realizada su obra esta permanece tal cual, independientemente de lo que se diga o deje de decir sobre su autor o entorno. Sin duda, al menos en esta exposición, se hace realidad la idea Paziana.

Que la arquitectura haya estado unida al poder desde siempre no es ninguna casualidad, sólo el poder económico, social, político, religioso, o militar, es capaz y tiene los medios necesarios, pero principalmente la motivación ideológica suficiente, para ejecutar las obras que hoy día continúan admirándonos, ya se trate de Stonehenge o de Burj Dubai. La arquitectura que construyó Pani, no es la excepción. Su tradición familiar, así como su ejercicio profesional hicieron que su quehacer edilicio estuviera inevitablemente unido a la especulación inmobiliaria, favorecida por un estado deseoso por consolidar su imagen de Modernidad y progreso, tanto al interior, como hacia el extranjero a fin de ocupar un lugar entre las naciones más progresistas del momento.

 

La arquitectura es un arte y una ciencia a través de la cual se modifican y recrean los espacios con fines utilitarios. Al hacerlo crea una serie de símbolos que permiten lecturas como la de Octavio Paz. El emplazamiento, la escala, los materiales, las vistas públicas y privadas, los accesos, el recorrido, la función o funciones, entre otros tantos elementos son significantes que, según el caso, modifican nuestra percepción de la edificación, nos ofrecen información, e incluso llegan a modificar nuestra conducta en el lugar.

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Cito como ejemplo de lo anterior a la Escuela Nacional de Maestros, cuya proyección representa claramente una de las empresas más ambiciosas del estado mexicano, la alfabetización de un pueblo casi analfabeto para lo cual necesitaba o necesita de un ejército de docentes que la hicieran posible (una de las razones del peso político que posee el sindicato de maestros). Otro ejemplo sería cualquiera de los multifamiliares que construyó y promovió como respuesta a la demanda de vivienda. En este sentido hay que leer la morfología de los conjuntos Nonoalco-Tlatelolco y/o los Condominios Reforma; en un caso se trata de una solución a la habitación masiva, popular, en el otro la de exclusividad y lujo.

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Sin duda el nombre de Mario Pani aparece y aparecerá en la historia de la arquitectura en México por la cantidad e importancia de las obras que construyó, principalmente las de carácter público y social, pero igualmente su nombre permanecerá unido a la creación de grandes capitales valiéndose de las necesidades y falta de escrúpulos de un naciente estado mexicano urgido de un rostro acorde al momento que vivía. Igualmente insoslayables son las múltiples polémicas en las que se vio envuelto y que cuestionan seriamente su quehacer; la más reciente, la secuela de muerte y destrucción que dejaron en la ciudad de México los sismos de 1985. Culpar a Cortés por haber fundado la ciudad en un lago, luego desecado, no disminuye en nada la posible responsabilidad que pudo haber tenido en estos acontecimientos.

Este aspecto, el polémico, por fortuna está presente de manera clara y objetiva en la muestra que comentamos, lo cual hay que festejar pues sólo de esta manera se puede tener una visión más amplia, más completa, del hombre y su obra, toca a los arquitectos de hoy, emitir su juicio.

 

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Fotos de mujeres II

Presentación1

Xavier Moyssén L.

 

A la memoria de Sergio de Osio S.

La muerte es una vida vivida.

La vida es una muerte que viene.

Jorge Luis Borges.

 

         La pregunta es ¿cómo plantear un comentario con sentido, que tenga alguna utilidad, ante una exposición como Mujeres detrás de la lente? Se recordará que esta muestra fue abierta en la Fototeca del Centro de las Artes en el Parque Fundidora, el pasado día 8 de marzo y que presenta un extenso panorama de la producción fotográfica en México de 1910 al 2010 realizada por mujeres. La muestra en sí es extraordinaria pues reúne el trabajo de más de 100 de ellas, y ese es, precisamente, el problema al que aludo al principio.

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Adela Goldbard

Me gustaría apuntar, por ejemplo, el muy digno papel que juegan las fotógrafas de Monterrey,  en especial el trabajo de Ruth Rodríguez que sale beneficiado por el sitio en que fue dispuesto. O bien de la satisfacción que da el volverse a topar con la pieza de Adela Golbard que ganó un primer lugar en la antepenúltima bienal FEMSA si no me equivoco. O de lo mucho que me gustan los trabajos de Adriana Calatayud y de Tatiana Parcero. Y  así podría seguir citando  los nombres  de las fotógrafas que de  siempre me han llamado la  atención, Lourdes Almeida y Grobet, Maya Goded, y ni qué decir de las glorias nacionales, Graciela Iturbe, Mariana Yampolski y en particular con la que me quedó Flor Garduño.

Y si se trata de citar autoras históricas habría que empezar con la Baquedano, los retratos de María Santibáñez, o las modernistas composiciones de Aurora Eugenia Latapí. Pero igualmente importante es encontrarse con las fotografías de Gertrude Duby Bloom, Ruth Lechuga, Bernice Kolko o Frida Hartz que recogen el rostro, las costumbres, los lugares del México profundo, del México indígena; y la lista y recuento se pueden volver interminables pues cada fotógrafa tiene algo importante que mostrar, lo mismo si se trata de Sara Castrejón, una de las primeras que se presentan, que de Eugenia Vargas o Patricia Martín, de las generaciones más jóvenes.

Aun siendo histórica la exposición, no se empeña en parecerlo o insistir en este carácter, más bien ha sido armada a partir de ejes temáticos, “La persistencia de la mirada”, “Una nueva concepción de la imagen”, “Otras miradas”, etc., y a través de ellos, Emma Cecilia García Krinsky, curadora de la muestra, va haciendo aparecer a las fotógrafas independientemente de su cronología, exactamente como también aparecen dispuestas en el libro que acompaña la exhibición.

Esta forma de proceder me parece importante porque flexibiliza el esquema histórico, pues no se trata tanto de hacer la historia de los sucedido en esos 100 años que se cubren (aunque sí se pueda hacer), como de presentar a quienes han sido sus principales y más destacadas representantes, lo que desde un punto de vista resulta más atractivo para el público general no especializado.

14Ángeles Castrejón

Aunque resulte imposible decirlo o sea un sinsentido, de la enorme cantidad de imágenes que se presentan, yo me quedo con una sola de ellas, la de Ángeles Torrejón, Sin Título, de 1994.  Cuatro mujeres indígenas atienden lo que parece ser un mitin o reunión, tres de ellas no esconden sus reacciones ante lo que deben estar viendo y escuchando, más la del centro, que incluso es la más atractiva, le dirige una mirada a la fotógrafa con la que dice todo: no es odio, es profundo desprecio, seriedad absoluta, rabia contenida, no he visto ni conozco otra imagen que exprese mejor la situación de estos grupos en el país.

Si algo de esta muestra habría que criticar en sentido negativo, quizás lo sea su museografía. Siendo tanto el  material mostrado se antojaba verlo con más aire por donde se pudiera circular con mayor libertad. El recorrido, tal y como está montada la exhibición, es confuso y poco atractivo, laberíntico yo diría. Fuera de esto, insisto en que la muestra es de lo mejor que hemos visto en  los últimos meses. Visitarla es un buen momento para acercarse y comprender al trabajo que han realizado, por lo menos a lo largo de 100 años, nuestras fotógrafas, una manera, igualmente interesante, de conocer la historia de este medio en México.

Me gustaría insistir, ya para acabar, en que si son muchas las mujeres aquí presentadas, es porque el oficio de la fotografía, debió pensarse y se piensa como adecuado para las mujeres. Que nadie piense, entonces, que la tarea de conocer y reconocer a todas está conclusa, antes al contrario, apenas inicia.

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Imágenes: Mujeres detrás de la cámara.

Fotos de mujeres I

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Coincidiendo con el día Internacional de la Mujer, el pasado 8 de marzo fue inaugurada la exposición Mujeres detrás de la lente. 100 años de creación fotográfica en México, en la Fototeca del Centro de las Artes en el Parque Fundidora. Previamente se presentó el libro del mismo nombre, obra que reúne el trabajo de investigación de Emma Cecilia García Krinsky, quien también es la curadora de la muestra en colaboración con María Elena Blanco. Dada la importancia y vastedad del material presentado, he decidido dividir estas líneas en dos partes. Esta primera habrá de tratar sobre el libro en sí mismo y lo que representa. La segunda parte, en ocho días, la concentraré en glosar la exhibición.

En la presentación del libro apunté que la historia de la fotografía es una historia moderna, quiero decir es una historia que inicia en 1839, quizás unos años antes pero no más. Trazar su evolución y el contexto social, cultural, político, ideológico y económico en que se da, debe partir de lo que acontecía entonces, en el ya iniciado siglo XIX. Y para ese momento la incorporación de las mujeres a una serie de actividades productivas que años antes les  habían estado obstaculizadas o de plano vedadas, es un ya hecho irreversible. Luego entonces no es especialmente difícil encontrar, dar con los nombres de mujeres que, por una u otra razón, deciden dedicarse al oficio de la fotografía. Si bien muchos de estos nombres no nos eran conocidos o resultaban vagamente familiares, se debe a que no se había presentado un investigador con nuevos temas y objetivos, más que a una dificultad intrínseca del tema. Con esto, nada más lejos a mi intención que restar méritos al trabajo realizado por García Krinsky y su equipo, por el contrario, es el debido reconocimiento a quien ha tenido el valor, la paciencia y persistencia para entregarse a una labor hasta ahora hecha a un lado por muchos, a fin de dar a conocer a quienes han tenido idéntico valor para la evolución de la fotografía en nuestro país.

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Igualmente, con lo antes apuntado, espero no se entienda que la participación de las mujeres en el mundo productivo en general y en particular en el de la fotografía ha sido miel sobre hojuelas. Por el contrario, aun hoy día se siguen teniendo graves limitantes y la fotografía no es la excepción. Y cuando hablamos de la fotografía no sólo nos referimos a quien la practica sino también a todas aquellas mujeres que de una u otra manera, con su presencia y trabajo, enriquecen –no por ser mujeres, sino por la visión que aportan—el mundo de la fotografía. Reporteras, editoras, promotoras, impresoras, museógrafas y modelos, todas, sin excepción, han de ser reconocidas exactamente igual que sus pares varones.

El texto de Emma Cecilia García Krinsky, no sólo es una fuente inagotable de información, sino un rico recorrido por esos 100 años de creación fotográfica en nuestro país, organizado en una serie de temas por los que van apareciendo las fotógrafas que le parecen más significativas o importantes, así va de “El estudio fotográfico” a “El cuerpo, instrumento para una narración”, pasando por ejemplo, por “La gran ciudad” y “Otros encuentros”. En cada uno hay un comentario preciso y una cuidadosa descripción tanto del tema en cuestión, como del trabajo de las productoras que va citando.

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El libro, además de presentar una buena parte de las fotografías que contiene la exhibición, se complementa con textos de Carmen Bullosa, Eli Bartra y Blanca Ruiz. Una de sus aportaciones más valiosas es el trazado de una línea de tiempo elaborada por Patricia Massé en la que va ubicando el quehacer de las fotógrafas a la par de lo que sucede en México y el mundo, así tenemos una visión más completa de lo que significa la presencia histórica de estas mujeres.

No cabe duda de que este trabajo, junto con el publicado por José Antonio Rodríguez, son, desde ya, referencias obligadas para todo aquel que esté interesado no en la historia de las mujeres fotógrafas, sino simplemente en la historia de la fotografía en México.

 Publicado originalmente en Milenio Diario.
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